INTRODUCCIÓN
Esta tarea consiste en realizar el análisis de tres obras de arte de los artistas asignados en la tarea 1. De esta manera conocemos la manera de cómo se tratan y estudian los diferentes tipos de obras de arte, aprendiendo sus características y funciones.
Las obras a analizar son:
o La Apoteosis de Homero de Dominique Ingres.
o LHOOQ de Marcel Duchamp.
o Night on Cold Mountain de Larry Poons.
LA APOTEOSIS DE HOMERO DE DOMINIQUE INGRES
Ilustración 1:Ingres, D. (1827). La Apoteosis de Homero. París: Louvre
1.Aproximación a la imagen seleccionada (a modo de pequeña introducción):
De un primer vistazo, lo que más me impresiona es la suma de personajes que en ella se representan y que la mayoría de ellos, aunque no todos, están mirando hacia el personaje central que es el que está sentado en una especie de trono. Para mí lo que tiene de especial es la capacidad de representación tan realista de los personajes. Cada uno expresa a su manera, no hay dos iguales. La imagen nos muestra uno de los poetas más importantes de la antigua Grecia: Homero, que fue el escritor de dos magníficas epopeyas: la Odisea y la Ilíada. En este cuadro, junto a él aparecen otros personajes que le están rindiendo homenaje. Estas personas también son importantes en las artes y en las letras durante toda la historia.
2. Ficha identificativa:
Este cuadro fue realizado por Jean-Auguste-Dominique Ingres, pintor francés del siglo XIX, en el año 1827. Su estilo es neoclásico y la técnica empleada es óleo sobre lienzo. El tamaño es de 386 cm × 515 cm. Se encuentra en el museo del Louvre ( París, Francia).
3.Análisis DENOTATIVO
Su grado de iconicidad es alto, ya que hay bastante grado de parecido con lo representado. Ingres copió el autorretrato de los personajes con una exactitud fotográfica. En la obra podemos encontrar los siguientes elementos: Aparecen 46 personajes alrededor del mítico poeta heleno. Situó alrededor de Homero a dos grupos: los homéricos viejos y los nuevos. Estos personajes rendían homenaje a Homero. La simetría del cuadro es estricta. La escena representa las gradas de un templo clásico y en ella está Homero vestido con una túnica blanca. Con la mano derecha tiene un pergamino con sus escritos y con la mano izquierda Homero porta una lanza. La Victoria Alada, tomada de Rafael, le pone una corona. Sentadas a sus pies, podemos ver dos figuras femeninas que representan, a la izquierda, la Ilíada, y a la derecha, la Odisea. Con los dos símbolos que las describen: la espada y el remo. En la derecha, en primer plano, encontramos a Molière, Longino y Boileau. Entre ellos vemos a Alejandro Magno con una caja en la mano. Fidias (constructor del Panteón) quien le entrega a Homero sus materiales de escultor y Píndaro entregando su instrumento musical. En la izquierda, en primer plano encontramos a Poussin, Corneille y Mozart. Junto a la Ilíada, podemos ver una persona con manto azul que sostiene de la mano a otro personaje: son Apeles y Rafael. Con esto, Ingres nos da a entender sus principales influencias a la hora de pintar. Con un manto encontramos a Virgilio, entre Apeles y Homero, se hallan entre otros: Sófloces, Heródoto y Orfeo. En el grupo del fondo destacan Hesíodo, Platón, Sócrates y Miguel Ángel. Como cabe esperar, Ingres incorporó a su favorito: Mozart, a la sombra de Poussin. Poussin (referente del estilo de Ingres, siglo XVII) y Molière miran al espectador y nos meten en el compuesto. Otros personajes se conocen por sus propiedades y características, como Dante, Pericles o Aquiles. Muchas de las imágenes de esta tipología, son rígidas, por lo que este cuadro también lo es, pero Ingres aplica colorido a los trajes de las figuras y de esta manera alienta la composición. Tuvo que realizar más de 300 bocetos para llevar a cabo este magnífico conjunto. Dominique fue ayudado por pintores como Armand Cambon y Prosper Debía y por un arqueólogo para llevar a término la obra.
Ingres tardó poco en realizar el cuadro, quizás porque ya lo tenía en mente, pero algo que sí cambió fueron los numerosos personajes que aparecen en él. Ingres barajaba varias listas de personajes hasta que eligió los que ahí aparecen y eso se ve reflejado en los numerosos bocetos de la obra. Sobre la composición, el grupo central está influido por el relieve: La apoteosis de Homero, de Arquelao de Priene. Los grupos laterales tienen influencia rafaelesca, También la Victoria tiene toques del estilo de Rafael. Esta manera de pintar, se ve reflejada de forma notable en los rostros que han sido juzgados de fríos e inertes. Para los cuerpos, Ingres aportó sus conocimientos anatómicos, por lo que son bastante realistas. A pesar de que la obra estaba destinada para estar en un techo y debía tener una perspectiva vertical barroca, Ingres utilizó una clásica y frontal. Las figuras están sujetas a una estricta simetría, y estas, como ya nombré representan personajes asociados al clasicismo. Todo esto conforma un recurso ideológico que Ingres utiliza para denunciar la entrada del romanticismo que entre otras cosas estaban en contra de lo clásico. Se forma un triángulo desde Homero que incluye a sus dos grandes obras: La Odisea y la Ilíada. El cuadro fue una petición que le hicieron a Ingres para adornar la sala Clarac, en el palacio del Louvre. La obra es polisémica ya que Ingres quiere trasmitir diferentes significados como el citado anteriormente, incluso cada personaje tiene su razón de existencia en el cuadro. Puede que cada persona lo interprete de una forma diferente. Considero que la obra es redundante ya que aparecen personajes conocidos clásicos, pero podría ser original para alguien que no los sepa reconocer o interpretar. La imagen es compleja ya que como he mencionado tiene bastantes elementos y requiere de una enorme atención saber interpretarlos todos. Considero a la obra única ya que aunque se ha realizado una copia y el mismo Ingres quiso realizar una nueva mejorando esta, no se llegó a realizar, por lo tanto no está extendida a las masas.
4.Análisis TÉCNICO de la obra:
Fue la obra más trascendente de Ingres para toda su carrera por la proyección que ha tenido en el tiempo. La pintura de composición más compleja, Trasmite un mensaje estético y una simbología y manifiesto intelectual que esencia toda la naturaleza de Ingres en su devoción por lo clásico como el valor sublime por excelencia de todas las artes: el clasicismo, una guía espiritual y estética donde estaba la verdadera esencia del arte. El título dado por el artista verdaderamente al cuadro y que aparece en el él, está escrito en griego, pero traducido quiere decir: “Homero entre los dioses”. Homero divinizado. Es conocido como la Apoteosis de Homero, pero ese matiz de Ingres va a explicar muchas de las cosas que aparecen en el cuadro. Como ya mencioné, fue un encargo para Ingres por 10000 francos para representar el Mundo Antiguo. Tuvo numerosos bocetos tuvo que realizar y nos sirven para ver las primeras ideas que él tuvo y su evolución. Presencia de una arquitectura griega como escenario que rinde homenaje al clasicismo, de sus influencias como Rafael y Mozart y algo interesante es que no se encuentran los personajes al mismo nivel, sino que hay distintas jerarquías. Es una visión supratemporales, no es el mundo real, es el sobrenatural y confluyen espíritus de figuras del mundo pasado, pero de diferentes épocas. Ingres reflexionó sobre la figura de Homero: muy conocido por sus obras, pero poco conocido su persona, su vida, eso era algo muy oscuro. Quiere representar a Homero rodeado de hombres, como el Sol y sus satélites. Ingres en sus bocetos desnuda a las figuras para entender la anatomía y después las viste, algo esencial en los artistas clásicos academicistas. Los colores que llevan los personajes tienen un sentido simbólico: La Ilíada está vestida de rojo (guerras) y la Odisea de azul (mar). El cuadro estaba pensado para el techo, pero su composición es totalmente frontal, no es aéreo, pinta a lo clásico. Los personajes todos con su identidad escogidos por una razón determinada y en un lugar determinado y con una actitud determinada. Al estar divinizado se le hacen ofrendas a Homero. En los escalones se representan fragmentos de obras de artistas antiguos. La obra está dividida en diferentes estratos según la importancia. Hay un personaje que no es antiguo, pero está a la misma altura y es Rafael: Apeles le da la mano y le hace subir al mismo estrato porque lo merece. El gran pintor moderno. También está Miguel Ángel y Dante a los que Ingres reconoce. Ingres vuelve sobre este cuadro varias veces. Pasado los años, 40 años después, quiere hacer una versión grabada, mejorado de lo que había sido su cuadro, aunque no se llegó hacer. Él quería Hacerlo más grande y añade muchos personajes más como Enrique VIII y se hace un guiño a sí mismo y aparece el propio Ingres con 14 años. Se empeña mucho en este grabado y finalmente no se hizo. Cuando muere Ingres es un cuadro referencia, inspira otras obras de arte. Adquiere enorme fama. Su idea compositiva tiene una enorme trascendencia con cuadros espectaculares. Incluso en el mundo de la fotografía se imitó. Representan escenas de obras de pinturas importantes. Incluso Dalí hace una Apoteosis de Homero dentro de ese mundo onírico y surrealista y hace un homenaje a Homero después de la Segunda Guerra Mundial. Homero es el origen del arte y de la creación. Incluso en nuestros días representando una Apoteosis de Shakespeare de un pintor hiperrealista surcoreano: diferentes niveles y personajes supratemporales (de distinto tiempo) desde Verdi hasta actores de nuestro cine de la actualidad, incluso a Homero, homenajeando al que se sienta en el trono. Visto por un artista de 2011. La vuelta a la esencia está en Homero.
4. Análisis CONNOTATIVO:
El autor quiere representar que el origen del arte está en Homero y alrededor de él le rinden homenaje otros personajes importantes, en distintos niveles. Incluso pensada la obra para un techo, Ingres no renuncia a su manera de pintar, y la realiza de manera frontal, al estilo clásico. Todos los personajes, su vestimenta, posición tienen una simbología, incluso sus actitudes. El ambiente que evoca es el mundo clásico ya que todos los personajes se encuentran en un escenario que es una arquitectura griega, la cultura clásica como precursora de todo. La representación de personajes de diferentes tiempos y algunos más modernos pero que para Ingres merecen un reconocimiento porque son fundamentales para su inspiración: Rafael, Mozart… Todo esto mencionado anteriormente.
BibliografíaArte, E. P. (18 de octubre de 2013). El Poder del Arte. Obtenido de La Apoteosis de Homero: https://elpoderdelarte1.blogspot.com/2013/10/la-apoteosis-de-homero.html
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Artehistoria. (2017). Obtenido de https://www.artehistoria.com/es/obra/apoteosis-de-homero
Didactalia. (2020). Didactalia. Obtenido de La Apoteosis de Homero de Ingres: https://didactalia.net/comunidad/materialeducativo/recurso/La-Apoteosis-de-Homero-de-Ingres/76b9ac06-15ee-4658-a3b6-2e4c6c9d80a5
El blog de Historia del Arte. (4 de febrero de 2007). Obtenido de https://elblogdehistoriadelarte.blogspot.com/2007/02/apoteosis-de-homero-de-ingres.html
euclides59. (6 de diciembre de 2012). La Apoteosis de Homero -Jean Auguste Dominique Ingres. Obtenido de https://euclides59.wordpress.com/2012/12/06/la-apoteosis-de-homero-jean-auguste-dominique-ingres/
Wikipedia. (15 de febrero de 2020). Wikipedia. Obtenido de La apoteosis de Homero: https://es.wikipedia.org/wiki/La_apoteosis_de_Homero
LHOOQ DE MARCEL DUCHAMP
Ilustración 2 Duchamp, M. (1919).L.H.O.O.Q. Francia: Centro Pompidou
1.Aproximación a la imagen seleccionada (a modo de pequeña introducción):
Lo que llama la atención de esta imagen es que está parodiando una obra de arte famosa. Muestra una tarjeta postal con una reproducción de la Mona Lisa. Trata de convertir lo cotidiano en arte y eso creo que es lo que tiene de especial.
2. Ficha identificativa
Se trata de LHOOQ de Marcel Duchamp. La fecha de realización es 1919. Su ubicación actual es el Centro Pompidou (Francia). Las dimensiones son 19,7cmx12,4cm. Lápiz sobre una reproducción de La Gioconda. Esta obra se trata de un ready-mades y es una tarjeta postal barata con una copia de la obra de Leonardo da Vinci: La Gioconda.
3. Análisis DENOTATIVO:
Su grado de iconicidad considero que es medio-alto ya que tiene bastante parecido con lo representado, a pesar de que Duchamp al dibujarle un bigote, realiza algunas modificaciones. Además, es bastante alto porque se trata de una postal. Lo que ha hecho Duchamp con esta obra es coger una vulgar postal de la Mona Lisa y pintado sobre ella un bigote, una perilla y un título. El título es LHOOQ, que es homófono en francés de la frase” Elle a chaud au cul” que significa de forma literal: “Ella tiene el culo caliente”. Podría traducirse como “Ella está excitada sexualmente” o “Está cachonda”. Es una obra polisémica ya que el significado es complejo y n o se reduce a una mera descripción de lo que representa. Ejerce un efecto evocador en el receptor. Es una imagen original realizada a partir de una redundante. La Gioconda es una de las obras más conocidas universalmente y Marcel cambió por completo su forma de verla y entenderla, intentando cambiar los clichés establecidos. Es una obra múltiple, debido a que el artista hizo muchas versiones, en los años 30 y 40, con el bigote y la barba separados y en los años 60, una nueva versión de la obra: LHOOQ raseé: afeitada. Además, muchos artistas y medios de publicidad, han realizado numerosas reinterpretaciones de la obra. La función de esta obra era convertir una obra de arte en algo cotidiana. También tiene como objetivo, atacar y cuestionar los valores hasta entonces consagrados y que eran incuestionables por medio de una gamberrada adolescente. La dama está sentada en un sillón y deja caer sus brazos en los del asiento. Los colores de la postal, son distintos a los del cuadro original, ya que es una reproducción.
Refiriéndonos a La Gioconda: En sus manos y sus ojos puede verse el entretenimiento que el pintor hace con la sombra y la luz con el fin de proporcionar volumen. El paisaje de detrás está quizás, inspirado en las vistas que Leonardo pudo ver en Los Alpes, durante su viaje a Milán. Algo curioso de la imagen es que se ha intentado juntar el posible paisaje que hay detrás de la modelo, pero la diferencia entre las dos mitades es tan grande que no se ha conseguido. Aparece un puente que puede hacer referencia a la importancia de la ingeniería y la arquitectura. Según expertos Leonardo no quiso pintar cejas y pestañas para crear una expresión más ambigua. La dama dirige una sonrisa enigmática hacia la izquierda y su velo es signo de castidad. Su posición de la mano derecha sobre la izquierda trasmite impresión de serenidad y de que la dama domina sus sentimientos. Hay una perspectiva atmosférica: los colores van hacia un azulado y la transparencia en el fondo del cuadro aumenta la sensación de profundidad.
4. Análisis TÉCNICO de la obra:
Es un ready-made Consiste en tomar un elemento cualquiera del entorno y descontextualizarlo por un simple cambio y provocará una nueva visión sobre el mismo. El punto de vista aquí es el contrario: una obra mundial y mítica, convertirla en objeto cotidiano, incluso de burla y parodia a lo que ayudó mucho el título de la obra, ya mencionado anteriormente. La gran “deformación” de esta obra está en que Duchamp le pinta unos bigotes y una perilla a una obra de arte cuya fama había alcanzado horizontes desorbitados. Duchamp adquirió mucha fama a raíz de esto. Duchamp, creó tendencia. Dalí, Man Ray, Magritte y otros trabajaron de un modo parecido famosos de la cultura mundialmente conocida. Aparecieron muchos artistas menos originales. También, hubo homenajes al “homenaje” de Duchamp a Leonardo. Así como Duchamp se sirvió de Leonardo, otros se sirvieron de él, como por ejemplo Lucio del Fezzo con su Homenaje a Duchamp en 1962: una Gioconda superpuesta a un LHOOQ de mayor tamaño. Fernando Léger ilustró esta familiaridad en La Gioconda con llaves (1930). La Mona Lisa no era ya un nombre de la alta cultura, sino un objeto conocido, como un llavero: “Salí a la calle ¿y qué vi en el escaparate de una tienda? ¡Una postal de La Gioconda! Lo comprendí al instante. Era lo que necesitaba. ¿Qué podía contrastar más con las llaves? La Gioconda, para mí, es un objeto como cualquier otro." Treinta años después de LHOOQ, seguía despertando inquietudes como por ejemplo el libro que escribió T.H. Robsjohn-Gibbins publicado en 1948 cuyo título era: Mona Lisa´s Mustache.
5. Análisis CONNOTATIVO:
Lo que Marcel quería era cuestionar los valores más sagrados del arte, por medio de una gamberrada adolescente. Tenemos que entender la época en la que se realiza: La Primera Guerra Mundial, impulsada por los caprichos de la burguesía insensible ante semejante barbaridades. Por eso se lanzaban ataques contra los valores estéticos y artísticos de la sociedad. El humor nos lleva a cuestionar los mecanismos y valores por lo que la sociedad se rige. Marcel Duchamp también estaba siguiendo los pasos de Freud al plantearse la homosexualidad de Leonardo da Vinci, por haber “ masculinizado” a la Gioconda. El pelo facial hace más visible la androginia de la pintura, la parte masculina de la Mona Lisa. Este tema es uno recurrente en Duchamp. La barba también podría ser un movimiento del vello púbico. Incluso, quiere recordarnos en cierto modo que la Gioconda es Leonardo.
Duchamp convierte a la Mona Lisa en un personaje travestido y calentorro, así es imposible tomárselo en serio después de verlo. Duchamp había “estropeado” uno de los cuadros más universalmente conocidos profanándolo como si de una vulgar caricatura se tratase. Pero esta obra tiene mucho más fondo, y está muy relacionada con el concepto de ready-made que podemos ver en obras como Rueda de bicicleta o La fuente: objetos cotidianos que se consagran como obras de arte. Esta vez es al revés: Parte de una gran obra de arte para transformarla en algo común.
Esta obra le hizo mundialmente conocido: era el señor que le había plantado un bigote a la Mona Lisa. De manera paradójica, como es lógico, es también, un homenaje a lo popular que es La Gioconda.
Bibliografía
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El blog de Historia del Arte. (4 de febrero de 2007). Obtenido de https://elblogdehistoriadelarte.blogspot.com/2007/02/apoteosis-de-homero-de-ingres.html
El Cuadro del día. (2010-2020). Obtenido de https://www.elcuadrodeldia.com/post/90337398948/marcel-duchamp-lhooq-1919-ready-made
Frenández, L. P. (20 de mayo de 2014). La Guía Arte. Obtenido de https://arte.laguia2000.com/pintura/l-h-o-o-q-marcel-duchamp
HISTORIA DEL ARTE : temas, imágenes y comentario. (s.f.). Obtenido de https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_111.html
Historia del arte- aldapeta . (28 de octubre de 2009). Obtenido de https://aldapetarte.blogspot.com/2009/10/marcel-duchamp-lhooq.html
La Espina Roja. (16 de octubre de 2010). Obtenido de https://espina-roja.blogspot.com/2010/10/lhooq-obra-de-duchamp-propiedad-del.html
LA IMAGEN. (16 de diciembre de 2010). Obtenido de https://conceptodeimagen.blogspot.com/2010/12/caracteristicas-basicas-de-la-imagen.html
Leonardo da Vinci. (s.f.). Obtenido de https://sites.google.com/site/leonardodavincicelia/home/obra/pintura/la-gioconda#TOC-Descripci-n-de-la-obra
Paco Marchante, I. C. (s.f.). Educación Plástica y Visual. Obtenido de narceaeduplastica.weebly.com/grados-de-iconicidad.html
NIGHT ON COLD MOUNTAIN DE LARRY POONS
Ilustración 3: Poons, L. (1962). Night On Cold Mountain. Nueva York: MoMA
1. Aproximación a la imagen seleccionada (a modo de pequeña introducción):
Lo que más me llama la atención de esta obra en un primer vistazo es que sea tan simple, es decir, se trata de un fondo y unos puntos y eso es lo que tiene de especial, con tan poco, representar algo y en ese caso según el título de la obra, nos presenta la Noche en una Montaña Fría.
2. Ficha identificativa:
El autor de esta obra llamada Night on Cold Mountain es Larry Poons. Las dimensiones son de 203,1x203,1cm.El estilo es Op Art. El medio es pintura polimérica sintética y tinte sobre lienzo. Esta obra se encuentra en el museo del MoMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York,( Manhattan, NY).La fecha de su realización es 1962.
3. Análisis DENOTATIVO:
El grado de iconicidad de la imagen es muy bajo ya que no se asemeja a la realidad. Poons es un artista abstracto. La obra consiste en una serie de puntos pintados sobre un lienzo cuyo fondo es de color mostaza. Estos puntos son de color azul. Es un lienzo monócromo repleto de marcas que atraen la atención en una danza frenética. Esta obra es una pintura de círculos y puntos de Op Art.La obra está realizada, con uno de los elementos morfológicos de la imagen: El punto que sugiere ritmo. Los puntos son de color azul, un color frío pero el fondo de color amarillo mostaza es un color cálido. Utiliza la armonía de dobles complementarios con el azul y esa especia de naranja-amarillo-mostaza. Los tonos fríos dan sensación de tranquilidad y los cálidos de energía. Los puntos son como cubos de pintura arrojados al lienzo. Es una imagen polisémica ya que puede ser interpretada de diferentes maneras debido a su grado de abstracción. La imagen es redundante ya que aparecen elementos conocidos como los puntos. Es simple ya que tiene pocos elementos visuales y requiere de menor atención. La función de la obra es artístico-comercial, ya que numerosas creaciones de Larry Poons se encuentran expuestas o en subastas. Considero a la obra única ya que no existen numerosas copias de ella con un fin de público de masas.
4. Análisis TÉCNICO de la obra:
Es una pintura Op Art de la década de los 60. Broches de pintura que caen en el lienzo de una forma frenética. Es un estilo pictórico abstracto. No es sorprendente estas pinturas gestuales en Larry, ya que en un principio estaba estudiando para ser músico profesional, y este contacto con la música, influyó en su manera de pintar. Evocan ritmo y musicalidad. Tiene un uso expresivo del color. Emplea composiciones que nos recuerdan a los primeros trabajos de Willem, de Kooning o de Jackson Pollock. Es una pintura contundente, de extraordinario impacto visual, acentuada por el gigantesco formato. Son puntos de color contrastante dispuestos al azar característicos de su primera época.
5. Análisis CONNOTATIVO
Composición emocional que quiere crear una reacción de impresión al verla. Nos enseña la vitalidad de la pintura abstracta. La imagen me sugiere simplicidad ya que está construida con muy pocos elementos. Los puntos fríos me evocan algo congelado y quizás por eso el autor llamó la obra noche en la fría montaña. Mi interpretación de la obra es que el fondo marrón-anaranjado representa la montaña y los puntos azules, el frío de la noche.
Bibliografía
Características Morfológicas de las imágenes. (s.f.). Obtenido de https://sites.google.com/site/morfologiadelaimagen/simplicidad-vs-complejidad
Larry Poons. (s.f.). Obtenido de https://larrypoons.com/paintings-1
MoMA. (2020). Obtenido de Larry Poons Night on Cold Mountain 1962: https://www.moma.org/collection/works/79344
Panzer, R. (s.f.). Larry Poons. Obtenido de https://en.wahooart.com/@@/ARACP6-Larry-Poons-Day-on-Cold-Mountain
PopFlock. (s.f.). Obtenido de https://www.popflock.com/learn?s=Larry_Poons
WahooArt.com. (s.f.). Obtenido de https://en.wahooart.com/@@/ARACP6-Larry-Poons-Day-on-Cold-Mountain
CONCLUSIÓN
Esta tarea me ha servido para entender mejor las imágenes y las diferentes obras de arte y saber que siempre tienen una razón y un por qué, aunque pienses que esa obra de arte no tiene “sentido”. La obra de Dominique Ingres me ha gustado mucho y la he escogido ya que en ella aparecían muchos personajes y me interesaba averiguar quién era cada una. Pero, de nuevo, la obra que más me ha gustado ha sido la de Marcel Duchamp, siempre me sorprende y LHOOQ, lo ha hecho, sobre todo al saber que era una simple postal.
ANEXO
Ilustración 4 Da Vinci, L.(1503-1519). La Gioconda. París: Louvre
Ilustración 5: De Priene, A. (s II-I a.C). Apoteosis de Homero.Londres: British Museum
