Diario reflexivo

Este es mi primer diario reflexivo de la asignatura de Expresión Plástica en Educación Primaria. Estará estructurado por días. Cada día que hemos tenido esta asignatura, iré explicando las evidencias observadas para llevar a cabo mis reflexiones.

Un buen profesor, está pendiente de lo que ve, lo que escucha, tiene el radar abierto, detecta detonantes sobre lo que le interesa, y profundiza. Reflexiona a lo largo del tiempo. En esto consiste el diario y ahora como alumnos, es muy adecuado que seamos capaces de autoevaluar nuestro aprendizaje, de observar con atención nuestro entorno y de reflexionar sobre lo que nosotros mismos aprendemos y pensamos.

Jueves, 6 de febrero de 2020

Hoy ha sido el primer día de esta asignatura, en la que se nos ha propuesto esta iniciativa. Para mí ha sido totalmente nueva ya que nunca había tenido que realizar un portafolio para tener un seguimiento de mi aprendizaje y como cabe esperar, un diario reflexivo. Esta iniciativa me parece un poco complicada ya que los alumnos o por lo menos yo, no estamos acostumbrados a reflexionar sobre lo que los profesores nos hacen aprender, simplemente como alumnos pasivos lo hacemos y ya está. Por eso creo que es un proceso muy enriquecedor. La manera de hacer en esta asignatura es un continuo. Tienes que estar siempre trabajando lo que da lugar a una evaluación continua. El aprendizaje debería ser siempre formativo en el que cuente el proceso y no solo el resultado ya que estamos sujetos a muchos factores y el resultado puede verse afectado por uno de ellos y que en realidad no muestre verdaderamente todo nuestro esfuerzo. Por eso una de las cosas que me llama la atención es algo que se dijo el primer día en clase:” No se borra nada con la goma”.

Este mismo día después de dibujar una serie de insectos con simetría y nuestra propia mano sin mirar, se nos propuso una serie de preguntas que son las siguientes:

·         ¿Por qué los niños dejan de dibujar?

·         ¿Cómo puedes ser tan creativo como un niño?

Estas dos preguntas me llamaron la atención y me atreví a contestarlas en mi blog: https://acuarelas-de-colores.blogspot.com/  ( en preguntas).

Respondiendo a la primera pregunta:

Desde mi opinión, considero que dejan de dibujar ya que desde la escuela no se fomenta su imaginación. Los dibujos siempre están sujetos a esquemas muy rígidos que se basan en la realidad o que las personas siempre hacen de la misma manera y por eso se piensa que es lo correcto. Yo tengo una anécdota respecto a esto. Cuando estaba en tercero de primaria, dibujé un sol de color naranja y todo el mundo me decía que estaba mal, que el Sol se dibuja de amarillo. Después te sorprendes al descubrir que el Sol en realidad, por la edad que tiene esta estrella es naranja, pero como todos lo pintan de amarillo, al ver algo diferente saltan las alarmas. Debemos fomentar que los niños se expresen como ellos quieran sin tener prejuicios.

Aquí pongo dos imágenes para que se pueda ver de manera más ilustrativa:

Respondiendo a la segunda pregunta:

No perdiendo la imaginación.  Esto se puede explicar muy bien haciendo referencia al Principito de Antoine de Saint-Exupéry: Los adultos son niños empobrecidos. " Todas las personas mayores fueron al principio niños, aunque pocas de ellas lo recuerdan". Debemos conservan en la medida de lo posible nuestra esencia, la esencia de lo que fuimos y cultivarlo a diario para no perderlo.

En una frase se dice: " A los adultos les encantan los números. Cuando les cuentas que tienes un amigo nuevo nunca te preguntan por lo que realmente importa. Nunca te dicen " ¿Cómo es su voz? ¿Qué juegos prefiere? ¿Colecciona mariposas?" En vez de eso te preguntan " ¿Cuántos años tiene? ¿Cuánto pesa? ¿Cuánto dinero gana su padre?" " Solo entonces creen conocerlo".
Con esta frase la utilizo para aclarar que los adultos se fijan en la apariencia, sí en los números, en lo racional; en cambio los niños van más allá y ellos quieren conocer la esencia, el alma, el sentimiento, cosa a lo que hice referencia en la primera página de mi blog. Eso es el arte. 

Al principio del libro se puede apreciar. El aviador no es comprendido por los adultos y a la edad de seis años deja de dibujar. Tiene que dar numerosas explicaciones.

                         Saint-Exupéry, A. D. (1983). El Principito. México: Ediciones Nuevomar.

Viernes, 7 de febrero de 2020

 Hoy hemos estado pintando en clase un boceto de lo que es nuestro primer autorretrato. Me ha gustado la clase. Nunca me había hecho un autorretrato y es gracioso darse cuenta de que te fijas en ti mismo para reflejarte en un papel. La dinámica me parece muy apropiada para la asignatura. Sentados todos por grupos y así, interactuando con los demás. Me siento a gusto ya que me recuerda a mis clases de Plástica de 1 ESO. El aula era muy parecida y también trabajábamos de manera grupal. Esto me hace pensar en cómo dibujaba yo con 12 años y darme cuenta de todo lo que he evolucionado o cambiado en mi manera de expresarme en un papel o de forma artística.

Algo que en la clase del 6 de febrero se dijo, se volvió a mencionar en esta: “No borrar nada con la goma”. Esto me dio de nuevo que pensar: Un dibujo es una historia, un diálogo sobre el papel. Un testimonio de tu existencia misma. Los grandes pintores son recordados por sus magníficas obras de arte y su esencia sigue aquí…a pesar de que hayan pasado cientos de años. Incluso si no son pintores famosos, si se puede decir de una manera, ese testimonio queda grabado e incluso puede servir a las futuras generaciones. Un ejemplo son las pinturas rupestres.

También pensando y que es algo que tiene que ver con esa afirmación decir que el proceso es muy importante, mucho más que el resultado aunque a pesar que en las sociedades de hoy en día parece que solo se valoran los resultados porque es lo que se puede ver: Nadie sabe lo que por uno pasa o se esfuerza hasta que ve el resultado final o en última instancia se lo pregunta, pero eso es: al final, no durante. Es que en pintura es muy importante, y sobre todo, para personas como yo que estamos aprendiendo ya que por decirlo de alguna forma no es mi don, ni he ido a ninguna escuela para que me enseñen: simplemente pinto, lo que me surge internamente, es muy importante equivocarse. De los errores se aprende y más en pintura. El que se equivoca conoce muchos caminos diferentes para llegar al resultado, en cambio el que no se equivoca los desconoce. Por eso considero que el haber tenido que hacer dos autorretratos, era una manera de conseguir esto: si en el primero te equivocaste, en el segundo ya conocías el camino.

Jueves,13 de febrero de 2020

Hoy en clase hemos aprendido las etapas gráficas del niño. Ha sido bastante estimulante ya que mientras se explicaba iba recordando algunos dibujos que yo realizaba de pequeña y que efectivamente cumplían con muchas de las características. En clase se dijo algo que me llamó la atención: “Recorrido vital de cada persona se refleja luego en el arte y en la vida: ropa, gustos, raza de perro, color favorito…” Esto me dio pie a reflexionar. Busqué mis dibujos guardados de cuando era más pequeña y subí al blog unos días después algunos de ellos: https://acuarelas-de colores.blogspot.com/ (En dibujos).

Buscando estos dibujos míos de cuando era pequeña es como que se te revuelven los sentimientos porque cuando crecemos nos gusta recordar las cosas que hacíamos de pequeños, como que tenemos pequeños flashbacks por llamarlos así de alguna manera en la que te ves tú de pequeña haciendo o recordando lo que estabas pensando y eso me pasó a mí al ver los dibujos. Son un testimonio vital de algo que pensabas y hacías en ese momento y te vienen al verlo a la cabeza imágenes, recuerdos, pensamientos… es algo muy bonito.

Yo tengo una hermana melliza, incluso compartiendo experiencias, genes, padres, casa, escuela, amigos… La manera de dibujar es completamente distinta. Es como una huella de identidad, como un sello que te reconoce. Es único e irrepetible porque cada persona, es un mundo.

Viernes, 14 de febrero de 2020

Mi detonante de hoy es lo siguiente: “Todo lo que hacemos viene de nuestro aprendizaje.” Hemos estado pintando los autorretratos con ceras de colores. Por mi parte lo hacía siguiendo los esquemas establecidos, es decir, si mi pelo es marrón, lo pinto de marrón y por supuesto sin salirme de las líneas ni mezclar colores. Me he dado cuenta gracias a la clase de hoy que eso no tiene por qué ser la mejor arte o lo correcto. Puedes expresarte de muchas maneras, rompiendo esas líneas y esos esquemas que tenemos establecidos desde que en infantil nos dicen: “No te salgas de la línea”. Ha sido muy interesante volver a ese “antes” de que nos corrigiesen y nos diese igual salirnos o no, simplemente expresábamos lo que sentíamos en ese momento en el papel.

Jueves, 20 de febrero de 2020

Hoy han tenido lugar en clase las exposiciones de los compañeros. La forma que hemos tenido los alumnos de evaluarlo me ha parecido muy importante. No sólo sentía que tenía más importancia en mi aprendizaje y en el de mis compañeros ya que una parte de su nota depende de mi evaluación, sino que también me ayudaba a prestar más atención. Sientes que tienes una autoridad, un conocimiento y que eso va a influir en la persona que expone.

Lo que me ha ido llamando la atención de los artistas es lo siguiente:

·         Las obras que iba observando de Eduardo Chillida me han recordado mucho a las de Marcel Duchamp.   

                     

·         Fátima Mazmouz: Persona autodidacta como Marcel Duchamp.

·         Johnny Warangkula Tjupurrula: Arte aborigen. Nunca fue a la escuela. Pintura rupestre. Me sorprende como una persona sin estudios puede llegar a ser un pintor famoso con trascendencia internacional. Eso me hace pensar que para el arte, la pintura y la expresión, no se necesita saber muchos conceptos sino quizá ser tú mismo, expresarte y dar a conocer a los demás lo que ves y esto es lo que hace: Lleva a la pintura la forma en la que vemos y pintan con los tres colores primarios.

·         Pieter Brueghel: Tiene una obra que se llama los juegos infantiles. Esta obra fue mencionada en un vídeo que vimos en educación física (me pareció muy divertido ver cómo todo lo que nos pasa se relaciona) y a raíz de esa obra trabajan juegos del siglo XVI, esto nos enseña que a raíz del arte, de la plástica se pueden enseñar otras áreas, es algo interdisciplinar. También podemos ver esa relación interdisciplinar con: El paisaje de la caída de Ícaro. En Literatura el cuatrimestre pasado vimos este mito y puede ser una buena forma de trabajar los mitos en Educación Primaria a través de la Educación Plástica.

·         Robert Smithson: Land art naturaleza como lienzo de la obra artística. Su land art más importante realizada en una playa que es una espiral me ha impactado y podemos aprender a partir de ahí y realizar propuestas didácticas para los niños.

La tarea de las biografías que hoy había que entregar, me ha ayudado a aprender un poco más sobre la vida de estos artistas, pero, sobre todo, arte, ya que durante mi vida académica, no he cursado asignaturas como Historia del Arte y mi idea de las pinturas y esculturas era muy simple. Me ha ayudado a adentrarme más en ello. También he podido notar en las exposiciones de hoy como cosas que mis compañeros explicaban sobre los autores las podía relacionar con los míos. Por ejemplo, las obras de Eduardo Chillida me recordaban mucho a los ready mades de Marcel Duchamp, o como al igual que Fátima Mazmout, Duchamp es una persona autodidacta que va evolucionando nuevos estilos y explorando nuevas formas. El autor que más me ha gustado de los tres ha sido Marcel Duchamp. Me ha permitido descubrir los ready mades y entenderlos. Antes cuando iba a algún museo y veía (poniendo un ejemplo) una escoba y “pum” eso es arte, pensaba que era una estupidez. Gracias a Duchamp, entiendo que el arte no es siempre a lo que estamos acostumbrados, no tiene por qué ser bonito, algo espectacular, el mejor cuadro del mundo, sino que cada uno lo interpretamos de una manera diferente, el mensaje es lo que importa y que basta con que queramos que algo sea arte para conseguirlo. A partir de ahora al ir a los museos, estoy segura de que veré las obras más “estrafalarias” con otros ojos. Esto me enseña que todos podemos ser artistas si nos lo proponemos, solo hay que ponerse las lentes adecuadas.

Viernes, 21 de febrero de 2020

Hoy hemos pintado nuestros autorretratos con témperas. En clase nos han explicado nociones básicas de cómo usar las témperas, pero lo más importante, en mi opinión de cómo trabajar en equipo para compartir los materiales, las pinturas… y repartirse las tareas. He quedado bastante satisfecha con mi resultado y me ha parecido sorprendente ya que normalmente no me suelo quedar muy a gusto con las pinturas que hago y suelo decir: “Qué mal me ha quedado”. En algo en lo que me he fijado es en que siempre estoy pendiente de lo que mis compañeras de la mesa hacen. Por un lado, considero que es algo normal ya que al tenerlas cerca no puedes evitar fijarte en cómo llevan a cabo su proceso, pero por otro creo que debería intentar no fijarme mucho, sobre todo en las que tienen más práctica y concentrarme más en mi propio trabajo porque no es el más” técnico” el mejor retrato, sino quizá el que mejor exprese lo que quieres trasmitir, y eso dependerá de cada persona. No voy a poder hacerlo igual que mis compañeras porque no soy igual a ellas y por eso debo aprovechar ese potencial y dar a conocer mi forma de entender el mundo y el arte.

Como ya mencioné anteriormente en el diario; recordando mis clases de 1º ESO y buscando dibujos, he encontrado uno que hice que representa a una niña. En el dibujo, sólo aparece la cara y me parecía interesante; aunque esa tarea de 1º ESO no consistía en hacer un autorretrato, consistía en utilizar las témperas para pintar algo. Como mi autorretrato está hecho con témperas y mi dibujo de hace siete años representa una cara, quería ver las similitudes y las diferencias que hay en ellos, tanto en la manera de pintar a la persona, en los detalles y en la manera de utilizar las témperas:

En el primer dibujo que es el de hace siete años, se puede observar como las témperas no tienen tanta agua, (el papel es distinto) además de que los ojos no son tan realistas. De alguna manera, mi esencia se puede reflejar en las dos pinturas y me parece muy interesante ver reflejado mi “crecimiento” en el arte.

Jueves, 27 de febrero de 2020

Hoy han seguido las exposiciones de las biografías de los autores. Antes de contar mis evidencias para hacer la reflexión, iré anotando las cosas más curiosas que me han parecido de cada autor, o al menos mencionarlas.

·         Alberto Durero: Es el primer pintor que explicaron que conocía su nombre y hay obras suyas en el Prado. Los momentos revolucionarios en la historia influyen en la pintura y un ejemplo es Alberto Durero con la aparición de la imprenta. Para difundir las obras se ponían en el libro.

·         David Hockney: Pasión por la naturaleza, los paisajes. Tenía influencia por Vincent van Gogh, Picasso. Retrató a personas desconocidas que pasaban  por la calle. Eso me ha llamado mucho la atención ya que por ejemplo mi autor: Dominique Ingres, realizó muchos retratos, pero eran de personas importantes y reconocidas de la época, no de una persona desconocida, por eso creo que es original, todos deberíamos ser “reconocidos” en algún momento.

·         Joy Miessi: La mezcla de razas explican su modelo de entender y hacer los cuadros.

·         Mwangi Hutter Nombre formado por la unión de dos artistas: Ingrid Nerjeri Mwangi y Robert Hutter. Este conoció a Ingrid en la universidad de Bellas Artes y empezaron a trabajar juntos, se casaron y fusionaron sus estilos. Combinan la identidad femenina y la raíz de Ingrid. Utilizan el cuerpo como lienzo. Conexión entre dos o más personas. Ese es el arte, ninguno más importante que el otro, uno es necesario para el otro y viceversa. Me ha parecido muy interesante esta fusión de dos autores. Se aprecia cómo lo que te sucede en la vida influye en el arte, en tu expresión. Es la primera vez que he conocido “un artista” formado por la fusión de otros dos y es que es algo que me ha abierto la mente porque ha sido un nuevo descubrimiento. Que mejor arte que el de combinar estilos de dos personas. El poder del trabajo en equipo. Y más original incluso siendo ambos pareja en la vida real. Una frase que dijo mi compañera Laura, que expuso a estos artistas fue “la fotografía tiene la habilidad de congelar el momento”. Sí es cierto que parece siempre que miras una foto que estás todavía allí, sobre todo si el momento fue muy especial, pero te hace retornar a ese momento, como si nunca hubiese terminado, te ves de nuevo en ese momento, haciendo lo que hacías y pensando lo que pensabas. Evoca también emociones y sentimientos, que van a depender mucho de la persona que mire la imagen. Si alguien te enseña por ejemplo una imagen de su boda y tú no fuiste, es muy probable que esa persona al ver la foto lo viva con emoción, en cambio tú no sientes nada porque no lo viviste. Es algo muy subjetivo. Incluso dos personas que se ven en una foto, sienten cosas distintas porque cada uno lo vive de su manera. Esto me recuerda a el arte abstracto o subjetivo o por así decirle a los ready mades de Marcel Duchamp, que dependen mucho de la mirada de la persona.

·         René Magritte: Tuvo una infancia traumática porque su padre le daba malos tratos a su madre y esto influyó en su obra. En la obra de Los amantes tienen un paño húmedo y representa el paño húmedo de su madre. Esto refleja como lo que nos sucede en la vida, determina nuestra forma de verla y de sentirla, nuestras experiencias vitales y por lo tanto nadie va a tener un arte igual, es imposible. Los cuadros de los amantes y del ojo sí que los conocía. Me ha gustado saber lo que significaban ya que siempre los veía como “una obra más”, pero gracias a la exposición de hoy los entenderé de una manera más profunda. Una obra que me ha llamado pero muchísimo la atención ha sido ”La invención colectiva”: representa una sirena al revés, no con la cola de pez y el dorso humano. Lo que vemos está influido por la experiencia, por lo que sabemos porque vemos con el cerebro y no solo con ojos y se graban nuestras experiencias. En la obra se muestra una ruptura en el pensamiento, al concebir que las cosas se pueden pensar de una forma distinta. A mi, nunca se me hubiese ocurrido vero de esa manera y esto me ha abierto la mente. Me ha resultado muy curioso.

A la hora de realizar exposiciones, es importante poner la opinión personal, relacionarse con los interlocutores, no solo mirar tu tema a presentar como meros espectadores externos. Este consejo quiero tomarlo a la hora de realizar mis exposiciones, aunque es un poco complicado. Ver a la gente exponer me hace reflexionar sobre la manera en que yo lo hago ya que me cuesta mucho salir a la pizarra debido a que me pongo muy nerviosa y lo paso mal, siempre que veo a un compañero exponer que tiene esas habilidades interpersonales, intento esforzarme para llegar a ellas o al menos imitar parte de ello.

En la clase de hoy, nos han explicado cómo se lee una imagen ya que en eso consistirá la tarea próxima. Al hablar de la era virtual, se ha mencionado que llega un momento en que una persona ya no sabe cuál es la realidad y cuál no, incluso hay personas que prefieren vivir en realidades virtuales, ya que sus vidas reales no les gustan. Algo a resaltar también es que no podemos fiarnos de lo que vemos, todo tiene un filtro, una manzana: por ejemplo, si nos muestran una foto con esta fruta, ni siquiera es una manzana, es una proyección de una fotografía de una manzana, pero podría no serlo.

Para terminar con la reflexión de este día, decir que me parece curioso, aunque complicado interpretar y analizar imágenes ya que por ejemplo, y es algo que nos pasa a todos yo creo, miras una imagen, o no tiene por qué ser una imagen, puede ser un sitio, un lugar y crees que lo sabes todo sobre eso porque lo ves continuamente, pasas repetidas veces por allí, y de repente, un día ves algo que no te fijaste que estaba, hasta que alguien te lo dice o quizás tú mismo te des cuenta. Es curioso porque a partir de ese día, siempre mirarás hacia eso, no se irá de tu percepción. Esto también pasa con las imágenes que son efectos visuales de percepción. Una vez que lo ves, lo vas a poder reconocer siempre.

Viernes, 28 de febrero de 2020

Hoy ha sido la última clase del mes y hemos aprendido a utilizar Photoshop para poder realizar nuestra tarea del autorretrato. Algo muy importante que hemos aprendido hoy es a tratar las imágenes para cuidar la identidad de la persona. También a tratar imágenes de Google y saber cómo buscarlas. A partir de ahora al subir alguna imagen o buscarlas para algún trabajo o cualquier tarea, tendré en cuenta su tamaño y su calidad. La clase de hoy me ha resultado difícil seguirla, pero he aprendido bastante cosas nuevas.

Mi impresión ante esto es que el Photoshop está presente en nuestra vida diaria, todo el mundo en todos los países lo utiliza y ya no solo es útil que nosotros sepamos utilizarlo, sino saber detectarlo en otras imágenes, es decir un análisis en profundidad de las imágenes que vemos y manejamos.

Con este día termina mi diario reflexivo del mes de febrero. Me ha ayudado a ser más consciente de mi aprendizaje y seguirlo con más detenimiento. Es una buena herramienta de enseñanza.