Tarea 1: Biografía de los autores

Martes, 18 de febrero de 2020.

Después de haber investigado sobre los autores, aquí tenéis información sobre ellos para que podáis aprender un poquito más.

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

Pintor francés. Realizó tres autorretratos: Uno a la edad de 24 años, otro a la edad de 79 años y un boceto. Nació en Montauban, Francia, el 29 de agosto de 1780 y murió el 14 de enero de 1867. Su padre, del que Ingres cultivó su vocación artística, trazó para él un ordenado plan de estudios en Toulouse. Tras esta etapa, Ingres se trasladó a París. Tiempo después fue a Roma. Durante su estancia en Roma participó en conciertos, estudió ruinas y hallazgos arqueológicos y se buscó una clientela particular que le encargó numerosos retratos. En Florencia, abriría su propio taller, ya en 1819. Con el éxito de su lienzo El voto de Luis XIII en el Salón de París de 1824, cerró su taller florentino y se trasladó a la capital francesa. Este hecho marcó una serie de hitos triunfales para Ingres: En 1826 se le encargó la decoración de algunos techos del Palacio del Louvre, fue nombrado vicepresidente de la Escuela de Bellas Artes de París, se le encomendó la dirección de la Escuela de Francia en Roma. En 1855 tuvo lugar la Exposición Universal de París y en ella se organizó la primera exposición del pintor. Ingres murió a los 87, en Montauban.

El primer maestro del que Ingres aprendió y cultivó su pasión por el arte fue su padre. Jean Marie Joseph Ingres, escultor, pintor y decorador, quien desde que él era muy joven supo reconocer en su hijo el talento para la pintura que poseía y favoreció sus aspiraciones artísticas. Inició a su hijo en dos disciplinas: pintura y música. Su instrumento favorito era el violín y lo tocaba con gran destreza, llegó a realizar numerosos conciertos. En la pintura, el dibujo era lo preferido del artista. En ambas ramas del arte, Ingres admiraba a dos modelos a los que trataba de imitar: en la música, Mozart, mientras que en pintura Rafael fue siempre el modelo a seguir, no sólo en lo que se refiere a la pintura, sino en su propia biografía que, el pintor conocía a través de deformaciones novelescas. Sin embargo, a Ingres siempre le fascinó la vida amorosa de Rafael, en especial la relación mantenida con la bella Fornarina, su amante y modelo de gran parte de sus cuadros. Su padre le ingresó en la Academia de Toulouse, ahí recibió la guía de maestros como el pintor Roques que inculcó en Ingres la devoción por Rafael y el escultor Vigan de quien aprendería el valor del dibujo. En la Academia de Toulouse, fue alumno en 1797 de Jacques.-Louis. David. Aunque, tuvieron diferencias en los gustos artísticos que trocaron el proceso de enseñanza. La relación con Ingres no fue cordial, Ingres aprendió de él la forma de componer un lienzo y la grandiosidad de la pintura de historia, el género que Ingres deseaba practicar. También tomó de David la manera de organizar un taller de pintura y trasladó el método a su propio taller No comprendía la pintura compleja de David. Él trabajaba una pintura simple y de línea pura.

Algo muy particular de Ingres fue su una postura imprecisa frente a los postulados clasicistas.. Este pintor fue el último representante de los grandes pintores del neoclasicismo francés. Ingres no fue, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez neoclásico y romántico.

El autor, tiene numerosas obras. Destacamos 10: Napoleón I en su Trono Imperial, La bañista de Valpinçon, Júpiter y Thetis, La Grande Odalisque, El voto de Luis XIII, Antíoco y Stratonice, Retrato de la princesa de Broglie, Madame Moitessier, La Source, El baño turco.

La obra de Ingres se divide en cinco grandes temas, a la vez que voy explicando sus cinco grandes temas, analizaré simultáneamente los formatos, técnicas y conceptos que trabaja en sus obras.

·         El más abundante fue el retrato, en el que alcanzó enorme habilidad. Todos los grandes personajes del siglo XIX francés fueron retratados por él, así como las personas más íntimas del pintor. Su método de trabajo era sorprendente pero efectivo: Tomaba innumerables bocetos del modelo y siempre lo hacía sobre desnudos; después pasaba a vestirlos minuciosamente con estudios de plegados en los vestidos. Este modo de trabajar le aseguraba al pintor una correcta concepción anatómica de la figura.

·         El segundo tema era el desnudo, tema que le obsesionaba y repetía una y otra vez. Este tema del pintor está representado en un cuadro muy importante: La Bañista de Valpincon. Dada la mentalidad puritana de su época, el pintor los ambientaba en baños turcos, escenas míticas, etc., de modo que la aparición del cuerpo femenino desnudo estuviera justificado por el contexto. Esta figura femenina de espaldas aparece repetida en numerosos lienzos del artista: en ella no existe corrección anatómica sino pura deformación por un fin estético. El artista ablanda los huesos para que dé un aspecto sinuoso. La maravillosa espalda de la bañista está "construida" a partir de tres espaldas diferentes.

·         El tercer tema es el religioso en el que Ingres se muestra mucho más convencional que con el del desnudo. Como curiosidad mencionaremos que, al igual que en el resto de su obra, Ingres también trazaba los bocetos de sus cuadros religiosos con las figuras de santos y vírgenes completamente desnudos, vistiéndolas después.

·         Los dos últimos temas que trató Ingres fueron la pintura de historia y la de mitología.; Son cuadros de enorme formato, con muchas figuras y moraleja incluida, al gusto del Neoclasicismo. Ingres deseaba ser recordado como un pintor de historia, pues consideraba a éste como el género más digno de la pintura. Curiosamente, sus peores composiciones son sus cuadros de historia. En ellos trata el llamado "género trovador": recupera el gusto por la Edad Media, por el aspecto primitivo de la pintura, así como se ocupa del origen de la monarquía y de las instituciones tradicionales. Sus obras son serviles y centradas en lo meramente anecdótico, sin la grandeza que mostraron los grandes neoclásicos como su propio maestro, David. Aparte de a la historia, hizo referencias a la literatura medieval y renacentista.

·          Entre los lienzos dedicados a la mitología se incluyen también cuadros dedicados a estrenos teatrales del momento que le impactaron. En estos lienzos, hacía un profundo estudio previo. El rigor histórico era también una característica de Ingres. Los objetos de la época y los adornos eran copiados de apuntes que Ingres tomaba de sus visitas a yacimientos arqueológicos, así como de su colección de vasos etruscos y griegos.
      
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 MARCEL DUCHAMP

Fue un artista y ajedrecista francés que nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo francés Fue el tercero de seis hermanos. Sus dos hermanos mayores decidieron dedicarse al arte por la influencia de su abuelo. Duchamp es un ejemplo de ejercicio de voluntad, sin necesidad de estricta formación y preparación. Es considerado como el artista más importante del siglo XX ya que influyó de manera considerable en las diferentes corrientes de arte cotemporáneo. Con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. También realizaría varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz).

Hablar del estilo de Marcel es complicado. No puede enmarcarse en ninguno, él siempre buscaba algo nuevo e iba innovando: Expresionista, fauvista, impresionista, cubista, dadaísta…

Entre los años 1906 a 1910 sus obras manifiestan caracteres diferentes, en relación con las influencias del momento: primero de Manet, después el intimismo de Bonnard y Vuillard, y finalmente el fauvismo. En 1910, después de ver por primera vez la obra de Paul Cézanne, abandonó definitivamente el impresionismo. Durante un año Cézanne y el fauvismo fueron sus referencias estilísticas. Pero este interés también sería corta duración.

En 1911, Duchamp comienza con un carácter experimental e innovador. Comienza su etapa cubista con el cuadro Sonata. Se propuso representar la actividad intelectual de una partida de ajedrez, lo que acabó convirtiéndose en el cuadro Retrato de jugadores de ajedrez. Aunque no destaca por su técnica si lo hace por ese intento novedoso de representar estados mentales. A partir del momento, en el que crea su primera obra totalmente innovadora, cada una de las obras del artista son totalmente distintas, nunca se detuvo en una de ellas, simplemente pasaba a otro trabajo.

      Empieza a interesarse por la plasmación pictórica de la idea de movimiento y desnudez. Su primer trabajo en esta línea es Joven triste en un tren, un simple esbozo de las posibilidades que podría tener. Su siguiente trabajo, sería uno de los más rompedores Desnudo bajando una escalera.

En 1914, Duchamp crea los ready mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y presentados por el artista como obras de arte. A partir de entonces el arte ya no se veía con los ojos, sino con la mente. Lo más importante para él era el mensaje que la obra trasmitía. El arte no se encontraba en la belleza del objeto sino en la idea que el artista (y el público) veían en ella.

Las máquinas existen, están ya hechas (lo que en inglés se conoce como ready-mades), y de ellas se puede hacer un uso estético, más allá del orden práctico para lo que fueron creadas. Así, “destruye todo residuo de confianza en las cualidades objetivas del valor artístico-estético y quiere, en cambio, demostrar que este es el fruto de una convención, o casi de una autodeclaración; basta quererlo, emanar una intención y todo puede convertirse en “obra de arte”, lo que refuerza la dimensión noética que él sugería en el arte”

El logro se traduce como un paso que hace de los objetos cotidianos, prácticos y hasta banales, verdaderas obras de arte. Lograron poner en crítica los procedimientos en la producción de obras de arte. Para Marcel existen dos tipos: los simples, un objeto del mercado que se utiliza como obra de arte; y los asistidos que tienen pequeñas intervenciones que son suficientes para descontextualizarlos y convertirlos en obra de arte. Un ejemplo es "L.H.O.O.Q." mejor conocida como "La Gioconda con bigotes".

Duchamp es el primer artista que trata ‘seriamente’ la desmitificación del arte Occidental tal cual se conocía. La obra de arte se degrada a mercancía, a producto de consumo popular y, por lo mismo, se dan como objetos banales por ejemplo una rueda de bicicleta. Sí, se habla del principio de descontextualización del pop art.

La temática del arte se abre a casi cualquier cosa, antes se pintaban cosas que se conocían, a partir de él se pinta lo que no existe, ideas que no van a funcionar. Se habla del absurdo y del inconsciente. En palabras de Freud, “el absurdo saca los pensamientos encontrados en los sueños”. Marcel es el padre del espíritu Dadaista.

Además, el objeto artístico se convierte en un detonador de la experiencia estética en el espectador, quien termina la obra. En palabras de Duchamp: “el observador termina la obra. Pero yo determino la posición en la que lo debe de observar”. Se convierte, entonces, en precursor del arte conceptual.

El arte se convierte en una experiencia interactiva en un tiempo / espacio determinado. Duchamp es el padre del performance, del happening y la instalación.

Finalmente, con su obra cumbre, “El gran vidrio”, por primera vez se pone especial énfasis en la superficie; se trata de un espacio plano intensificado de manera muy distinta al manejo que las superficies tenían en las artes de ese tiempo.

Viajó a Buenos Aires y luego a París, donde conoció a los principales exponentes del entorno dadaísta, que en pocos años daría vida al surrealismo. En 1920 estaba de vuelta en Nueva York.En 1923 comenzó a dedicarse profesionalmente al ajedrez y abandonó casi por completo la actividad artística. Reanuda la actividad artística sólo en 1936, al participar en las exposiciones del grupo surrealista en Londres y Nueva York. Comenzó a diseñar la Boite en valise, una colección portátil de reproducciones de sus obras más significativas.

Sorprendido en Francia por el estallido de la guerra, en 1942 se embarcó para los Estados Unidos. Allí se dedicó principalmente a su última gran obra, Etant donnés.

Es evidente que sin Duchamp no se podría entender la obra de Andy Warhol, Joseph Beuys, Kasemir Malevich, Joseph Kosuth, Donal Judd, Mark Rothko, Sol LeWitt, Klein o Piero Manzoni.Marcel Duchamp murió en Neuilly-sur-Seine (Francia), el 2 de octubre 1968.

Sus obras más importantes, algunas ya mencionadas son: L.H.O.O.Q, Desnudo bajando una escalera nº2, Étant donnés, La fuente. Tiene dos autorretratos. (Tschinkel, 1999)

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LARRY POONS

Lawrence Poons, (nacido el 1 de octubre de 1937), mejor conocido como Larry Poons, es un pintor abstracto estadounidense que nació en Tokio, Japón. Estudió de 1955 a 1957 en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, con la intención de convertirse en músico profesional. Después de ver la exposición de Barnett Newman en French and Company en 1959, Poons renunció a la composición musical y se matriculó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston. También estudió en la Art Students League de Nueva York. Poons enseñó en The Art Students League de 1966 a 1970 y actualmente enseña en la League Liga de estudiantes de Nueva York) ya que vive y trabaja en Nueva York.

Asociado con Op Art, pintura de vanguardia, pintura de campo de color, abstracción lírica y expresionismo abstracto, Poons ha desafiado las expectativas críticas a lo largo de su carrera, pasando por varias fases distintas de trabajo:

Aunque originalmente saltó a la fama por sus pinturas de Op Art de la década de 1960, con lienzos monocromos repletos de marcas que atraen la atención en una danza frenética, la práctica de Poons ha cambiado a través de varios modos estéticos, más recientemente de forma suelta, estilo pictórico similar al expresionismo abstracto o abstracción lírica. No es sorprendente que las pinturas gestuales, emocionales e improvisadoras de Larry Poons sean de un artista que originalmente estudió para convertirse en músico profesional.
 En la década de 1960, Poons dejó el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra para seguir una carrera en la pintura, una decisión honrada con un éxito casi inmediato: las primeras obras de Poons, pinturas de círculos y puntos de Op art, se incluyeron en una exposición del MoMA. Estas pinturas ilusionistas evocaron ritmo y una musicalidad subyacente, pero un movimiento hacia el expresionismo abstracto. En las pinturas de acción de Poons, sus gestos y energía se expresaban a través de cubos de pintura que había arrojado al lienzo. Incluso sus obras posteriores, pintadas con pincel, recuerdan la misma energía en su uso expresivo del color y un número aparentemente infinito de pinceladas frenéticas. Emplea composiciones formales, que recuerdan los primeros trabajos de Willem de Kooning o Jackson Pollock, las superficies de Poons exudan una energía salvaje incluso cuando el artista trabajó hasta los 80 años. el crítico Peter Malone comenta que "es realmente emocionante presenciar a un pintor que vivió y trabajó en un momento en que la transgresión de la profundidad en el campo de la imagen era tabú, finalmente liberado para descubrir, quizás redescubrir, la vitalidad que la pintura abstracta aún puede engendrar.", Poons ha avanzado en solitario, silenciosamente, durante tres décadas. Es, ante todo, una pintura contundente, de extraordinario impacto visual, acentuada por el gigantesco formato de algunas de las obras. Poco queda ya de los puntos de color contrastante dispuestos al azar que caracterizan su primera época. Lo que ahora presenta es una abundancia de color, ya sea en capas planas o empastes. También incorpora elementos ajenos a la pintura creando líneas y grafismos de gesto enérgico que parecen graffitis sobre una pared. El recorrido por las obras de Poons resulta excitante.

 Según la crítica del New York Times, Roberta Smith, «desde su aparición en la década de 1960, el Sr. Poons ha mostrado una gran preferencia por los campos de color pulsante, incluso si sus medios para lograrlos han variado enormemente». Los Poons saltaron a la fama por primera vez en la década de 1960 con pinturas de círculos y óvalos sobre fondos sólidos, a menudo de colores brillantes. Estas obras, transmitían una sensación de movimiento, y se clasificaron como Op art. Junto con artistas como Donald Judd, Claes Oldenburg y Lucas Samaras, Poons estuvo representado por la Galería Verde a principios de la década de 1960. En la última parte de la década de 1960, se presentó con Leo Castelli. Aunque expuso con artistas ópticos en 1965, en 1966 se había alejado del arte óptico hacia un resumen más suelto y pictóricolienzos, Aunque muchas personas criticaron el alejamiento de Poons de las pinturas de puntos, Frank Stella defendió su progreso, dejando una nota de felicitación para el artista en su galería. Su pintura, Brown Sound apareció en la portada de la edición de verano de Artforum en 1968. Poons fue incluido en el documental de 1972 de Emile de Antonio Painters Painting: The New York Art Scene 1940-1970 y fue el tema de La película de 1966 de Hollis Frampton, Manual of Arms. Poons también se incluye en el Retrato de los artistas de 1967 de Andy Warhol, que incluye Jasper Johns, Donald Judd, Roy Lichtenstein, Lee Bontecou, Frank Stella, Robert Rauschenberg, Robert Morris y James Rosenquist, todos los cuales habían colaborado en una serie de grabados a través de Leo Castelli. Un documental sobre el trabajo de Poons, titulado Larry Poons: On Making Art: ART / New York No. 51, fue realizado en 1999 por el camarógrafo Paul Tschinkel. Poons también es una figura destacada, junto con Jeff Koons, Gerhard Richter y Njideka Akunyili Crosby en el documental de Nathaniel Kahn 2018,El precio de todo , que debutó en el Festival de cine de Sundance y fue adquirido por HBO.

Aunque Poons renunció a la composición musical, tocaba la guitarra. Como piloto de motos vintage que divide su tiempo entre la pintura y las carreras de motos. Poons ha recibido premios especiales de la American Historic Racing Motorcycle Association, incluida la 500 cc Hailwood Cup en 1998 y 2003, y el 2003 John & Ginny Demoisey Trophy para parejas de carreras de carretera, con su esposa, la pintora Paula DeLuccia. Él compite con un G50 incomparable y un Ducati 250.Poons fue ampliamente entrevistado en el documental de 2018 Price of Everything sobre el negocio de vender arte y está en la portada del póster publicitándolo.

Larry Poons tiene obras en docenas de colecciones en todo el mundo, incluida la Galería de Arte Albright-Knox en Buffalo, el Instituto de Arte de Chicago , el Museo de Arte de Cleveland , el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo de Arte contemporáneo de los Ángeles , el Museo de Bellas Artes de Boston , el Museo de Bellas Artes de Houston , el Museo de Arte moderno de Nueva York, el Museo de Arte de Filadelfia , el Museo de Santa Bárbara de Arte , el Museo de Arte americano Smithsonian en Washington, DC, elTate en Londres, el Van Abbemuseum en Eindhoven, Países Bajos, el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York y la Galería de Arte de la Universidad de Yale en New Haven, Connecticut, entre otras instituciones.


Entre las obras más importantes destacamos: Brown Sound, Night on Cold Mountain, Jack of Sparks. Muchas de sus obras no tienen título. Se pueden encontrar en las subastas que se hacen por internet de sus obras.

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Bibliografía utilizada para la búsqueda de información e imágenes

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